Die Gemälde, die derzeit in der Ausstellung „Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden“ in der Berliner Gemäldegalerie zu sehen sind, zeigen einen doppelten Neuanfang in der Malerei. Obwohl biblische Themen neben Porträts weltlicher und geistlicher Fürsten weiterhin vorherrschen, halten Alltagsszenen und Bürgerportraits Einzug. Die Künstler verwenden zum ersten Mal ein neues Material, das die auf Ei basierenden Temperafarben ablöst: Ölfarben.

Mit Ölfarben konnten die niederländischen Maler leichter Farbübergänge mischen und dünne Lasuren herstellen. Feinere Hauttöne oder Bartschatten machten die Gemälde plötzlich lebensechter. Die Wirkung der so angefertigten Altarbilder auf die Gläubigen ist heute kaum nachzuvollziehen. Die wohlhabenden Stifter, die meist als Randfiguren in den Gemälden verewigt wurden, begannen jedenfalls, auch privat Porträts in Auftrag zu geben.

Das Zentrum der neuen Ölmalerei lag im heute belgischen Tournai, in der Werkstatt des „Meisters von Flémalle“. Viele mutmaßlich dort entstandenen Werke fasste man im 19. Jahrhundert unter diesem Notnamen zusammen. Wahrscheinlich wurden die meisten Werke aber im Stil eines Handwerksbetriebs gemeinsam angefertigt.

Lehrlinge grundierten und füllten Flächen, Gesellen malten die Figuren und die Meister kamen nach dem Entwurf erst wieder dazu, wenn es um die Hauptfiguren oder die Stifterporträts ging. Offenbar war die Arbeit in der von Robert Campin geführten Werkstatt so interessant, dass auch der bereits erfolgreiche junge Maler Rogier van der Weyden dort noch einmal in die Lehre ging, bevor die Stadt Brüssel ihn später als Stadtmaler engagierte.

Die Ausstellung ist in zwei Stunden gut zu schaffen und nicht zu umfangreich. Es bleibt genug Zeit, einzelne Gemälde eingehend zu betrachten und die Hintergrundtexte zu lesen. Wie leider oft kommt darin die Darstellung des historischen Zusammenhangs zu kurz. Wie sich das niederländische Bürgertum im 15. Jahrhundert entwickelte, müssen sich die Besucher selbst anlesen.

Außerdem hätte es der Ausstellung gut getan, ein paar ältere Temperagemälde und Altarbilder dazu zu stellen, um den Unterschied zu den neuen Werken deutlicher zu machen. Trotz dieser Schwächen lohnt sich ein Besuch unbedingt. Die empfindlichen Gemälde werden zum ersten Mal zusammen gezeigt und es ist gut möglich, dass es sie so nie wieder zu sehen gibt.

„Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden“
Gemäldegalerie, Kulturforum Potsdamer Platz, Berlin
Noch bis zum 21. Juni
Di.-So. von 10-19 Uhr, Do. von 10-22 Uhr
Eintritt 8 Euro, ermäßigt 4 Euro

Gemäldegalerie Berlin

Ernesto Kroch saß schon als minderjähriger politisch engagierter Metallarbeiter unter dem NS-Regime im Gefängnis und im KZ Lichtenburg, bevor er 1938 nach Uruguay emigrieren konnte. Von dort floh er 1982 vor der Militärdiktatur nach Deutschland. Heute lebt er in Uruguay und Deutschland.

Der Film zeigt vor allem, wie Kroch sich heute gegen die NPD engagiert und für die Gedenkstätte in der Lichtenburg bei Prettin in Sachsen-Anhalt einsetzt. Seine Biografie allein macht den Film schon sehenswert. Besonders interessant fand ich aber, dass Keßlers Film auch die anhaltenden Auseinandersetzungen über die Erinnerung an die nationalsozialistischen Verbrechen und den Widerstand dagegen dokumentiert.

Zu Zeiten der DDR gab es zwar eine Gedenkstätte in der Lichtenburg, aber der größte Teil wurde von einer LPG genutzt. Nach 1989 wurde die alte Gedenkstätte dann geschlossen, aber ohne durch eine neue ersetzt zu werden. Das ehemalige KZ sollte sogar verkauft werden. Erst anhaltende Proteste von Bürgern bis hin zu Berliner Studenten haben dazu geführt, dass inzwischen ein neues Gedenkstättenkonzept erarbeitet wurde.

Es gibt eine ganze Menge Beispiele dafür, wie aufgrund berechtigter Kritik an der Erinnerungskultur der DDR gleich die ganze Erinnerung gestrichen wurde, statt einfach eine bessere Gedenkstätte zu entwerfen. Diesem Film gelingt es, eines dieser Beispiele besonders anschaulich und auch für ein Publikum ohne großes Vorwissen über die Erinnerungskultur der DDR verständlich zu machen.

Homepage des Arbeitskreises Schloss und Gedenkstätte Lichtenburg

Immerhin weisen sie meisten Autoren darauf hin, dass Solschenizyn nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion großrussische Vorstellungen vertrat, die in der Tradition des undemokratischen und antisemitischen Zarenreichs standen. Viel seltener wird aber darauf verwiesen, das schon im “Archipel Gulag” in Solschenizyns spezieller Kritik am Stalinismus solche rückwärtsgewandten Ideen angelegt sind.

Deshalb ist es schade, dass mit Analogien wie “Er selbst war eine ganze Epoche” das hoffentlich neu geweckte Interesse an der Lagerliteratur der Sowjetunion ausschließlich auf Solschenizyns zweifellos lesenswertes Hauptwerk “Der Archipel Gulag” gelenkt wird. Jewgenija Ginsburgs “Marschroute eines Lebens” oder Warlam Schalamows “Erzählungen aus Kolyma” verdienen mindestens ebensoviel Aufmerksamkeit. Mit “Künstler der Schaufel” kommt dieser Tage der zweite Teil der “Erzählungen aus Kolyma” bei Matthes & Seitz Berlin heraus. Im letzten Sommer ist bereits der erste Teil unter dem Titel “Durch den Schnee” erschienen.

FOCUS Online: Ihr Debütalbum heißt „Park Bench Theories“. Was sind Parkbanktheorien?

Jamie Scott: Der Titel bedeutet zweierlei. Auf Parkbänken steht immer viel eingeritzt. Auf Parkbänken passiert viel Verschiedenes. Menschen trennen sich, Menschen haben Sex, Menschen streiten sich. Der Titel signalisiert also eine emotionale Geschichte. Außerdem ist Parkbanktheorie schon lange meine persönliche Metapher für Missverständnis. Ich meine damit zwei Menschen, die sich über den Weg laufen und auf eine Parkbank setzen, um miteinander zu reden. Danach gehen sie wieder ihrer Wege und haben völlig unterschiedliche Ansichten darüber, worüber sie gerade gesprochen haben.

FOCUS Online: Um welche Missverständnisse geht es auf „Park Bench Theories?

Jamie Scott: Es geht um die letzten drei, vier Jahre meines Lebens. Ich lebte mit einem Mädchen zusammen, mit dem ich zusammen aufgewachsen war. Wir waren schon so gut wie verheiratet. Dann trennten wir uns, und ich bemerkte, dass ich einen grundlegenden Fehler gemacht hatte, aber etwas zu spät. Zu der Zeit lief es außerdem mit der Plattenfirma nicht, mit der ich einen Vertrag hatte. Es ging bergab und endete damit, dass ich sechs Monate lang allein und deprimiert in meinem Zimmer saß. Ich fing an, darüber zu schreiben. Das half mir darüber hinweg, und so entstand „Park Bench Theories“.

FOCUS Online: Im September erscheint ihre Single „When Will I See Your Face Again?“ Um welchen Teil ihrer Geschichte geht es darin?

Jamie Scott: Das ist das einzige Stück neben „Shadows“, in dem es nicht um diese Zeit geht. Es ist etwas leichter als der Rest des Albums. Es geht um ein Mädchen, das ich in einem Café traf, nachdem ich mich von meiner Freundin getrennt hatte. Es war in einer Kleinstadt, also nahmen wir an, dass wir uns dort wiedersehen würden. Wir verabredeten uns, aber sie kam nie wieder.

FOCUS Online: Wie sind sie dazu gekommen, solche Erfahrungen in Liedern zu verarbeiten?

Jamie Scott: Als ich sieben war, hörte ich zum ersten Mal eine Platte von Joni Mitchell und bat meine Mutter, mir zu zeigen, wie man dazu Gitarre spielt. Meine Mutter spielte Gitarre in der Kirche. Dann habe ich mir jahrelang selbst beigebracht, zu spielen. Die Art und Weise der Singer und Songwriter aus den Siebzigern, sich selbst auszudrücken, lag mir schon immer. Irgendwann habe ich mich einfach hingesetzt und selbst angefangen, zu schreiben.

FOCUS Online: Welche aktuellen Folk- und Soul-Musiker hören sie?

Jamie Scott: Fangen wir mit Soul an: D’Angelo, Amp Fiddler und Jill Scott zum Beispiel. An Folk mag ich Scott Matthews, Rufus Wainwright und José Gonzalez.

FOCUS Online: Auf ihrer MySpace-Seite ist das Video zu einer Cover-Version von dem Lily-Allen-Hit „Smile“ zu sehen. Wie kam es dazu?

Jamie Scott: Weil ihre Musik so anders ist als meine. Ich finde Cover-Versionen dann spannend, wenn man ihnen einen eigenen Stil gibt und wir haben „Smile“ einen Folkdreh gegeben.

FOCUS Online: Im „Guardian“ stand, dass sie „Park Bench Theories“ mit Travis als Studioband eingespielt haben, ohne ihren Sänger Fran Healy. Wie kam das zustande?

Jamie Scott: Ich habe für mein Album mit dem Produzenten Martin Terefe zusammengearbeitet. Der kannte den Drummer und den Bassisten schon von Aufnahmen für Cat Stevens und Ron Sexsmith. Martin hat ein richtiges Netzwerk von Musikern. Jeder spielt für jeden. Meine Plattenfirma wollte das Album so schnell wie möglich aufnehmen und Martin sollte passende Musiker suchen. Travis hatten gerade ihre neue CD fertig und deswegen einen Monat Zeit dafür. Ich hatte Glück.

FOCUS Online: Hätten sie nicht lieber ihre eigene Band gefunden, bevor sie das Album aufnahmen?

Jamie Scott: Nein, wir fingen mit den Aufnahmen praktisch sofort an, nachdem ich unterschrieben hatte. Meine Band habe ich erst im Studio kennengelernt. Darum heißt sie auch „The Town“. Martins Studio heißt Kensaltown, aber alle nennen es bloß „The Town“.

FOCUS Online: Haben „The Town“ schon vorher zusammen gespielt?

Jamie Scott: Sie kannten sich alle. Deswegen klappt es auch sehr gut. Wir klingen sehr intim.

FOCUS Online: Wen wollen sie mit ihren Liedern erreichen?

Jamie Scott: Ich denke, jeder Songwriter, der sagt, dass er aus anderen als eigennützigen Gründen schreibt, lügt. Ich glaube, Songwriting ist eine reine Form der Therapie. Es geht darum, sich etwas von der Seele zu schreiben. Was ich erreichen wollte, war zu verarbeiten, was ich erlebt hatte, und das habe ich geschafft. Die Gelegenheit, das Publikum zu erreichen, kommt bei Konzerten. Dann lebt die Musik ein zweites Leben.

FOCUS Online: Woher wissen Sie, dass das Publikum Sie versteht?

Jamie Scott: Ich denke nicht, dass es mich versteht. Das ist das Großartige an Musik. Menschen bringen Verschiedenes damit in Verbindung. Jeder kann seine eigene Bedeutung aus einem Stück heraushören. Jeff Buckley hat seinem Album „Grace“ keine Texte beigefügt, weil er wollte, dass die Leute sich beim Zuhören ihre eigenen Gedanken machen.

Erschienen auf Focus Online am 24.10.07, 18:40 Uhr.
http://www.focus.de/kultur/musik/jamie-scott-und-the-town_aid_136890.html

Er sprengt die Ordnung der CD-Regale. Er spielt Reggae und Ska ebenso wie Punk und wirft mit Samples um sich wie ein Hiphopper. Er singt in Spanisch, Französisch, Englisch, manchmal auch Arabisch und anderen Sprachen – oft in einem einzigen Song. Manu Chao entwickelt mit seinem dritten Album den schillernden Sound der Vorgänger „Clandestino“ und „Próxima Estación: Esperanza“ weiter.

„La Radiolina“ ist Manu Chaos erstes weltweit erscheinendes Album seit sechs Jahren – und das Warten hat sich gelohnt. Anstatt seine Einflüsse nur zu kopieren, verschmilzt der 46-Jährige sie mit Anleihen bei spanischen und lateinamerikanischen Klängen zu einer eigenen funkigen Musik. Auf „La Radiolina“ geriet die Mischung eine Spur rockiger als auf den beiden Vorläufern. Aber wieder gelingt Manu Chao das seltene Kunststück, energiegeladen und leicht zugleich zu klingen.

Manu Chao nahm diesen Sound bereits in den achtziger Jahren mit seiner Band Mano Negra vorweg. Der Sohn spanischer Eltern, die vor dem faschistischen Franco-Regime nach Paris geflüchtet waren, gründete die Band zusammen mit seinem Bruder und einem Cousin. Mano Negra verquirlte Punk, Ska und Rap und verbuchte ein paar landesweite Hits, wurde aber vor allem wegen ihrer mitreißenden Live-Shows berühmt.

Unterwegs mit Gitarre und Rekorder

Nachdem die Band sich 1995 auflöste, zog Manu Chao mit einer Gitarre und einem Aufnahmegerät ein paar Jahre durch Lateinamerika. Aus dem Material entstand das 1999er-Album „Clandestino“, von dem der Hit „Bongo Bong“ stammt. Zwei Jahre später folgte „Próxima Estación: Esperanza“ mit „Mr. Bobby“. In einem großen Teil seiner Texte verarbeitet Manu Chao eigene und beobachtete Erfahrungen von Migration oder sozialer Ungerechtigkeit. Menschliche Begegnungen, Liebe und Freundschaften nehmen einen ebenso großen Platz ein.

Auf „La Radiolina“ finden sich beispielsweise mit „Me Llaman Calle“ der Titelsong aus Fernando León de Aranoas großartigem Prostituiertendrama „Princesas“ und mit „Rainin in Paradize“ eine Anklage der Kriege im Nahen Osten und in Afrika. Manu Chao stellte „Rainin in Paradize“ vorab zum Download ins Internet, wo es innerhalb von zwei Wochen 250 000-mal abgerufen wurde.

Über Grenzen hinweg

Der Musiker zitiert sich immer wieder selbst. So hat er Elemente von „Clandestino“ schon auf „Próxima Estación: Esperanza“ wieder aufgegriffen und verarbeitet nun mit „Politik Kills“ ein Thema aus „Mr. Bobby“ weiter. Dabei bleibt es aber nicht beim bloßen Sample, sondern die Idee wird neu geformt und der künstlerische Prozess transparent.

Manu Chao spielt nicht nur den Soundtrack der Globalisierungskritik, wie oft geschrieben wird, sondern seine Musik verkörpert selbst eine Art der Globalisierung. Eine der gängigsten Polemiken gegen Globalisierungskritik besteht in der Unterstellung, sie wolle die Globalisierung anhalten und Grenzen wieder errichten. Manu Chaos Musik dagegen versinnbildlicht, dass eine Kritik an der Globalisierung und eine grenzenlose Verschmelzung von kreativem Potenzial sehr gut zusammenpassen können.

Erschienen auf Focus Online am 22.8.2007, 14:33 Uhr.

http://www.focus.de/kultur/musik/plattenkiste/manu-chao_aid_70158.html